为深入推进教育强国、文化强国建设，弘扬中华美育精神，由湖北省教育厅、湖北省文化和旅游厅指导，华中师范大学与上海音乐学院联合主办，华中师范大学音乐学院、本科生院承办的第二届中国艺术歌曲高质量美育展演系列活动于11月21日－23日在我校举行，包含美育实践、社会服务、学术研讨和前沿课程等内容。
活动期间，特邀我校特聘教授、上海音乐学院院长、国际著名男中音歌唱家廖昌永和国际著名钢琴家、室内乐演奏家哈特穆特・霍尔在音乐厅为全校师生分别带来两场精彩纷呈的大师课，有效拓宽师生艺术视野，夯实专业根基。
叶楠辛：有幸参与哈特穆特霍尔教授的德语艺术歌曲大师课，并演唱李斯特的《Bist du》，收获颇丰。霍尔教授在语言与艺术性上的指导，让我对德语艺术歌曲有了更深刻的理解。语言上，教授指出我在德语元音发音和辅音清晰度上的不足，强调德语歌词的韵律与音乐节奏的紧密结合，通过逐句示范，让我学会如何通过语言表达传递歌曲情感。艺术性上，教授引导我挖掘歌曲背后的诗意与情感层次，从气息控制到音色变化，都需为情感服务，避免过度技巧化。
此次大师课不仅提升了我的演唱技巧，更让我明白德语艺术歌曲中“词与乐”的完美融合是其灵魂所在。未来我将把所学运用到教学与演唱中，不断精进。
张雅坤：有幸参加哈特穆特·霍尔（Hartmut Höll）大师的声乐艺术指导课，实在是一次受益匪浅的经历。此次上课的曲目是勃拉姆斯的艺术歌曲《美妙的旋律渗透我的心灵》（Wie melodien zieht es mir），霍尔大师的讲解由浅入深，从具体的音乐处理上升到深邃的艺术哲学，令人醍醐灌顶。
大师并未停留在歌曲优美的旋律表面，而是引导我们深入挖掘其三层内涵。他首先讲解了歌词的字面意义——旋律如微风般拂过心田；进而引申到其中蕴含的、艺术创作中那难以捕捉的灵感闪现；最终，他升华至一个关乎所有艺术家的哲学命题：我们如何将内心转瞬即逝的、无形的情感与思绪，外化为具体可感的、能够与他人共鸣的艺术形式。这一番解读，瞬间将一首短小的歌曲与每一位艺术家的终极使命连接起来，赋予了练习和演唱以崇高的意义。
在细节打磨上，霍尔大师展现了德国艺术歌曲专家特有的严谨与敏锐。他特别纠正了德语歌词“Schwebt”（漂浮）中字母“e”的发音，强调此处绝不能唱成开口音，必须保持闭口元音的准确性，才能准确传达词语那份轻盈、漂浮的意境。对于“leise”（轻柔地）这样的关键词，他要求演唱者稍作拖长，让词语本身的含义通过声音的延长得以彰显。在处理第二段时，大师用一个干净利落的“切”的手势，极其形象地诠释了音乐与语言在此处所需呈现的果断、集中的语气转折，让人过目不忘。
除了对歌者的指导，霍尔大师同样花了大量心血在与钢琴演奏者的配合上。他强调，歌者的肢体语言必须贴切而丰富，不仅是情感的抒发，更是向合作钢琴家传递清晰音乐意图的重要信号。一个细微的呼吸、一个预示性的眼神或手势，都能让钢琴家更精准地跟进，从而实现真正“二为一体”的默契演绎。作为享誉世界的钢琴合作大师，他亲自对合作钢琴老师进行了极为细致的指导，从宏观上把握勃拉姆斯歌曲中内敛而深情的整体风格，到微观层面手腕与手肘如何协调运力，以弹出既饱满又不失通透的音色，其耐心与精到令人叹服。
这堂大师课，早已超越了一般意义上的声乐辅导。它是一次关于艺术严谨性的洗礼，一次关于合作精神的深刻启迪，更是一次将技术细节与哲学思考完美融合的典范。正如那首歌曲的标题，霍尔大师的教诲，也如同美妙的旋律，深深渗透了我的心灵，余韵悠长。
杨阳：在音乐的世界里，技巧是基石，而真正让旋律牵动内心的，是藏在音符背后的合作、理解与真诚。通过本次《德奥艺术歌曲》大师课的学习，Hartmut Höll教授让我对音乐的本质有了更深刻的认知，那些关于协同、表达的思考，值得每一位热爱音乐的人细细品味。
在演奏合作层面，我深刻体会到“协同”是音乐呈现的核心生命力。无论是室内乐演奏中，演奏者们通过身体语言传递律动、全程保持同步，还是演奏者之间在音乐中的精准契合，都让我明白，音乐从来不是独角戏，而是彼此成就的合作艺术。Hartmut Höll教授甚至要求，“哪怕是乐曲的最后一个音符，演奏者都应贴合乐器共鸣而非个人随意发挥”，更让我懂得音乐的极致追求不是个人表演，而是与乐器、与合作者、与作品本身的共鸣。
语言是音乐的灵魂载体，情感是表达的核心要素。德国艺术歌曲的演唱，不仅在于准确的发音，更在于语言的韧劲与情感的真实表达。我们要先精准把握元音发音，再通过共鸣强化表达，这一技巧背后，是对“让每一个音节都有意义”的追求。而当演唱跨越语言边界，德语发音的起伏与生命力，既要求我们掌握发音的准确性，更需要传达作品原生的思想与意境。真正动人的演唱，从来不是刻意修饰的技巧堆砌，而是用最真诚的情感，让语言与旋律融为一体，直抵人心。
此次大师课不仅让我深刻体会到，音乐从来不是孤立的艺术，更让我领悟到音乐的核心在于“沟通”——与同伴的协作沟通、与作品的情感沟通、与语言的文化沟通。
朱维：哈特穆特教授强调谱面的重要性。对于勃拉姆斯这样的作曲家，谱面暗含了诸多重要内容。但有限的符号，又不足以概括音乐的丰富内涵。所以，功夫在书外，大量内容要通过各种渠道去吸纳，以了解作品在音乐上风格和规律。另一方面，谱面的符号本身也提供了框架，以支撑音乐演奏的发挥，不至无的放矢。
由于文化的不同，德奥作品强调结构，风格上较稳健与内敛，这带来了审美体验的不同。为发挥其中精髓和奥妙，创造哲思之美，演奏者自身的修养和素质，则需得到进一步精炼，以免大而化之之嫌。
在课后的交谈中，我们在音乐上共有“to be”，而非“to become”的感受——廖院长的演唱即是如此。意指演奏者应成为音乐，化作音乐本身，消解对立，以进入无人无我之境，达到某种超然的高度。演员如此，演奏者亦然。此间大有深意。
赖思丞：参加了廖昌勇老师的大师课，让我如同走进了新世界的大门。廖老师说，再唱一首艺术歌曲前，一定要把艺术歌曲的故事了解透彻，将故事的主人公带出自己，身如其境，才能唱出歌曲的灵魂。他没有停留于技巧说教，而是用“把每个音符唱进歌词的情绪里”这句话，点透了歌唱的核心——情感与技术的融合。课上，他针对学员发声问题的示范极具启发，从气息支撑的“像闻花香般自然吸气”，到咬字吐字的“让字音随旋律流动”，每一个指导都具体可感。最触动我的是他强调的“歌唱不是炫技，而是传递内心的温度”，这让我明白，好的演唱不止是声音的完美，更是情感的真诚表达。未来练歌，我会更注重情感代入，让声音真正为内容服务。
刘碧峤：非常荣幸能在廖昌永院长的大师课上学习《春思曲》，这短短的一堂课让我受益匪浅。廖院长指导我时，特别强调了“依字行腔”，他亲自示范如何通过精准的咬字和归韵，在脑海中想象歌词的意境，表达歌词，而不只是把歌词“唱”出来。他特别指出“潇潇夜雨滴街前”的“滴”字，需以气息托住韵母，在渐弱中营造雨丝绵长的意境。这让我深刻体会到，演唱中国艺术歌曲不仅是展示声音，更是在用声音作画，传递诗歌的灵魂。今后我会更加注重对歌词和文化的理解，才能在舞台上赋予这些经典作品以当代的生命力！
张暄：有幸以大三学生身份参与廖昌永老师《幽兰操》大师课，收获颇丰且深受启发。廖老师精准点出我的误区，咬字太过生硬，需以沉缓绵长的气息为基底，咬字轻润含韵、忌生硬发力，情感传递收放有度，开篇平缓铺陈、副歌要气息助推情绪递进，同时找准歌词韵律适配换气节点，弱化痕迹以保旋律流畅，全程贴合曲目清雅高洁的基调，让声线始终温润通透。此次学习不仅切实提升了我的演唱能力，更让我坚定了深耕专业的信念，后续会以更严谨的态度打磨每一部作品，稳步精进专业素养。
赖思丞：参与学院组织的艺术歌曲大师课，是一次兼具专业提升与心灵触动的宝贵经历。大师以深厚的艺术积淀为我们描绘了弹奏技巧，提醒我这是二重唱，是钢琴和声乐的二重唱，两个都十分重要，也让我具体的学习到三首中国艺术歌曲，从而衍生出中国艺术歌曲的演奏技巧，这种点拨让我了解到中国艺术歌曲中句子的重要性，呼吸的重要性，让我体会到歌曲中具体的情景，就像是“惊涛拍岸”，又像是“采而佩之”的典故，而或是“俯瞰江山”的自豪……
在这次实践中，我不仅收获了可直接运用的专业方法，更被大师对艺术的敬畏之心深深感染。他们分享的舞台经验、对作品背后文化内涵的解读，让我明白艺术歌曲的演奏从来不是单纯的技巧展示，而是与作曲家、听众的灵魂对话。这次经历让我更加坚定了深耕艺术歌曲领域的决心，也学会了以更严谨、更细腻的态度对待每一首作品、每一次演奏。未来我会将所学所悟融入日常练习，在艺术之路上稳步前行，不负这份难得的指导与期许。
以美育人，以学促才，融前沿之学术，铸人才之基石。未来，华中师范大学音乐学院将聚焦学术前沿，深化人才培养，为培养艺术领域杰出人才，贡献智慧与力量。
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审读人：郭康源 陈龚泽祖 陈晓刚
